よくこんなモノが。

先日、デザイン学校の近代デザイン史の授業で、映画「メトロポリス」を紹介しました。
1927年に公開されたドイツ映画で、後の映画や文化に影響を与えた映画史上もっとも有名な映画のひとつ。

このメトロポリスはどうやら日本では1929年に初公開されたようなのですが、その後のまだ戦前に再公開された時のチラシというものに、ついこの間出会ってしまいました。

クロームイエロー、マゼンタ、ディープブルー、ブラックの特色4色刷。
中央のメインビジュアルにはマリアのヒューマノイドが配置され、地下の労働者たちが操作する工場の機器をイメージしたと思われる複数の同心円と、地上の資産階級の都市をイメージしたと思われる直線的なモチーフが交差するフラットデザインで、映画のモチーフを並べただけのデザインではなく、オリジナルの造形で作品のイメージを表現した見事なデザイン。
特色4色もなかなか冴えています。

危なくクレジットカードで買ってしまいそうになりましたが、気を落ち着けて鑑賞のみにしておきました。
古物との出会いは危険極まりないものです。

なんとこのチラシ。
映画のチラシをコレクションしている方がサイトで紹介していました。
こちらのサイトでその他のチラシもたくさん見られます。

チラシは画像が貼れないので、映画のDVD発売上映会の宣伝動画（2009年）を貼りました。（こちらは1984年のジョルジオ・モロダー版）

1:1:2×4

デッサンのモチーフ用に1:1:2のサイズの端材を4本組み合わせて立方体を作りました。
同じものがたくさんあると規則的にきれいに並べたくなります。



モノが規則的に配置されるということは、そのモノによって区切られた空間も規則的になるということ。

この時、モノと空間が定規で測って同じサイズで区切られていても、見た目には同じ間隔には見えません。

立体としてのモノの方が視覚的に強い印象を与えるなどの錯覚や、物理的な空間の支配率によるものなのでしょう。

デザイン学習の現場では、
講師「揃ってないね」
学生さん「測りました」
というやりとりが実は良くあります。

きっちり測って制作されることでデザインが完成されると認識されやすいですが、実はこの見た目による調整がとても大切だったりして、そのとてもファジーな部分は教室での学習でしかなかなか体得できないことなのだと思います。

ブランドと商品デザイン

以前紹介したWWFの「ドネイル（Donail）」。

ネイルアートを通して動物保護に関心をもってもらうキャンペーンで、協賛するネイルサロンで柄を描いてもらうものとネイルシールで楽しむものがあります。

WWFの公式通販サイトであるパンダショップでネイルシールを売っていたので、デザイン学校での参考資料用に買ってみました。


1セットに2種類の動物モチーフのネイルシールが入っていて、パッケージのデザインはモチーフとなった動物のイラストがデザインされています。
レッドリスト赤のイメージを全面に出すことと、「Donail」ブランドとしての統一感を崩さずに動物の違いをデザインしたもののようですが、ちょっとくどいですかね。
せっかくネイルシールのデザインがカワイイのですから、中を見せて欲しい感じです。

Donail全体では動物のパターンは20種類ありますが、ネイルシールはまだ4種類（2セット）のみ。
どちらも赤、ピンクに無彩色というカラーリングなのは、印刷経費の関係からでしょうか。

パンダショップのコンセプトが利益が活動資金に充当されるので、他の通販サイトでの販売は難しいのでしょうが、こうした商品はもっと広がると良いですね。

デザイン学校のグラフィックデザイン専攻の授業ではGW明けからブランドデザインを考える課題にいよいよ突入。
商品展開が多くなってもひとつのまとまりとしてデザインを完結させることを学びます。

素敵な動物柄

自然環境保護の活動団体であるWWFはこれまで多くの絶滅の危機に瀕した動物を守るためのキャンペーンを行ってきましたが、今回の「ドネイル（Donail）」キャンペーンはこれまででかなりインパクトがあって楽しいです。

このキャンペーンはレッドリストから20種の動物をモチーフにネイルのデザインとして制作し、動物たちのことをもっと知ってもらうことが目的。

この手のデザインだとかなり直接的にどんな動物かがわかる全体像や 顔などがデザインになることが多いのですが、今回のドネイルでは、柄などの特徴をかなりシンボリックにデザインしてあって、ネイルデザインとしてしっかり完成しているので、とても受け入れやすいのではないかと思います。

キャンペーン動画もYouTubeにアップされていました。


サイトやカタログなどに使用されているキャンペーンのイメージカラーが赤だというのは「レッドリスト」を象徴しているのでしょう。

全体がフラットデザインな上にちょっと面積が広いせいか、キャンペーンのイメージと少し違う気がしますが、この内容のグラフィックとしてはインパクトがありますね。

デザインの学校では動物をモチーフとした課題はとても多いので、学生さんには展開の仕方のひとつとして参考にしてほしいデザイン例です。

色と時間。

デザイン学校は 先週からほぼ夏休み。
学生さんにとっては、まだまだ講習会や特別講義やら継続した制作やプロジェクトもあって、なかなか「休み」ではないかもしれませんが、通常授業のないこの時期だからできることに取り組んでほしいですね。

デザインの学習で必須な色彩。
理論的な学習である反面、視覚的に体験しなければ理解しづらい部分も多くあります。

色を混ぜる混色も比較的馴染みのある絵の具による「減法混色（減算混合）」だけでなく、光による「加法混色（加算混合）」や瞬時に複数の色が変化することで混色される「継時法混色」、小さな柄模様を遠くから見ることで混色されたように見える「併置加法混色」など様々。

授業では簡単な手作り教材で「継時法混色」を視覚体験。
赤、青、黄色に分割彩色された円盤に軸をつけてコマを作り、回すことで継時法混色が視覚体験できます。

このコマで継時加法混色を視覚体験するという発想で、モダンデザイン教育を行ったバウハウスで1924年に講師をしていたルートヴィヒ・ヒルシュフェルト＝マック（Ludwig Hirschfeld-Mack）氏が製作した木製コマが、1977年よりNaef社より「バウハウス・カラーコマ(naef Bauhaus Optischer Farbmischer)」として復刻されています。

このカラーカードは「ゲーテの色彩論に基づく色の構成」「レンブラントの光と影の配分」「ショーペンハウアーの芸術論に基づく色の構成」などに基づいた配色が施されています。

アール・デコで学ぶ。その2

デザイン学校のグラフィックデザイン専攻の学生さんたちを引率して行った「東京都庭園美術館（旧朝香宮邸）」。

近代デザインの傑作であるこの建物で行った撮影実習は、どこを見ても美術作品であるこの空間をどのように発見し、切り取り、記録するのかがポイント。

視覚的なイメージを写真というメディアに切り取る作業は、意図しなければただのメモにしかなりません。
デザインのトレーニングとして光や色の再現や演出にもこだわって撮影していきたいものです。

このような空間で問題となるのが明るさ。
特に近代建築では現代の空間とは比べ物にならないくらい暗いので、手持ち撮影ではISO感度をあげることが必須ですが、目で見ている以上に空間による明暗の差が大きいため、撮影後のレタッチ作業も重要です。

中でもフィルム撮影のプリント作業でも行っていた「焼き込み」と「覆い焼き」は、画像処理ソフトのPhotoshopにも搭載された基本ツールなので、自然な修正をしっかり身につけたいですね。

学生さん達に混じって撮影した写真の一部をまとめてみました。
以前に何度も紹介しているので違った写真にしようと、比較的部分的な要素を中心にセレクトしています。

＞＞以前の旧朝香宮邸を紹介したページ
アール・デコの館/その1
アール・デコの館/その2
アール・デコの時間

アール・デコの邸宅で学ぶ。その１

改修と新館増築のために休館していた東京都庭園美術館が今年リニューアルオープンし、本館では「アーキテクツ／1933／Shirokane　アール・デコ建築をみる」が開催中（12/25まで）

東京都庭園美術館（旧朝香宮邸）は、日本に現存するアールデコ建築の代表として、一度は見ておきたい建物ですから、デザイン学校のグラフィックデザイン専攻の学生さん達を連れて出かけてきました。
アール・デコ様式は近代デザイン史の授業でも学習しましたし、この旧朝香宮邸はアール・デコ様式の特徴がとてもわかりやすい造形表現となっているので、授業でも多くの画像を紹介しましたから事前情報は豊富。

しかもこの期間中は美術作品である建物を鑑賞する機会として、撮影が可能な期間。
気になった造形や空間をどう切り取るのか？
色や明るさをどう写真に納めるのか？
写真やデザインの構図の学習も兼ねている贅沢な授業になりました。

エントランスにはルネ・ラリックのガラスレリーフ、邸宅内にはアンリ・ラパンのデザインが溢れます。この空間で撮影が可能というのはとても贅沢です。

日々PCに向かってネット上の情報だけで刺激を受けることの多い学生さん達にとって、日常から切り離された空間はとても多くの刺激を与えてくれたことと思います。
さて、皆さんはどんな写真が撮れているのでしょうか。

反射と入射と写真の関係

デザイン学校の研究生を対象とした写真ゼミが始まりました。

ゼミ生の希望を聞きながら、1.2学年の授業では実施できない写真撮影に取り組むことが目的。

一般的なカメラがフィルムからデジタルになって、とても変わった事のひとつが撮影者の露出の意識。
フィルムの1枚いくらといったコストの意識がなくなり、その場で液晶で確認しながら撮り直せる安心感から、適正露出を見極めるという感覚は欠如し、光を測る事の重要性を理解することが難しくなりました。

ゼミの初回。
フィルムに挑戦したいという学生さんの意見から、まずは測光をテーマにゼミは進行。
今後、何回かに分けてゼミ内容を紹介して行きます。

まずは一般的には聞き慣れない、反射光と入射光についてを学びます。
（つづく）

色を測る。

作品などの撮影で使う照明は実は何でも良いという話の続きです。
蛍光灯や、LEDが一般的になった反面、蛍光灯と言っても様々な色のものがあって、実際、ギャラリーなどの現場で作品撮影を行う際には、場所によって照明がミックスされていたり、外光の影響を受ける場所があったりしてとても複雑。

こうした現場では光の色を測るカラーメーターというものが必須。
デジタル一眼カメラなどでは、このメーターで測定した数値をホワイトバランスで設定することができて、細かい色再現に対応しています。

最近はスマートフォンで何でもできるので、こうした機能のアプリがないかと探してみました。
カラーメーターのようには使えませんが、ある程度の目安にはできそうなアプリを発見。
学生さんには良いかもしれません。

ColorLantern
takayoshi otake
価格： 100円
posted with sticky on 2014.11.10

写真と照明の色再現。

学生の頃に学んだ写真撮影の照明は、昼光用フィルムに合わせたブルーランプを使うというのが一般的でしたが、ブルーランプというのは一般的な黄色い電球よりコストが高い上、熱のため使用時間によって退色してしまい、電球が切れなくても一定時間を過ぎたら取り替えないとフィルムの色再現が難しいというちょっと厄介なもの。

かといって黄色いランプでは色を補正するためにブルーのフィルターをかける必要があり、これはこれでいろいろ面倒でした。

ところがデジタルではカメラ内部でホワイトバランスという色調整の機能があるため、一般的な黄色い光のランプで事足りるようになり、照明を使った写真撮影がとても気軽になりました。
デザイン学校の撮影実習でも一般的な黄色い電球を使っています。

色再現という意味では蛍光灯でもLEDでも照明は何でも良いので、家で作品を撮影したい時など、蛍光灯やLEDのスタンドでも実は撮影はできてしまいます。

手で考える。

デザイン学校の高等部の前期は色に焦点を当てたデザインでしたが、後期は形に焦点を当てた課題に取り組んでいて、今の課題はロゴデザインの実習。

小学生でもPCを使う授業が増え、最近では手で繰り返し描く事で形を探って行くという作業的な感覚が不足しているように感じます。

次年度のデザイン本科へ進級する前段階としてのデザイン高等部では、PCのある教室でも手を使って考える習慣を心がけています。

アイデアスケッチ段階では、アイデアを出す過程が多く残ることがとても重要で、紙いっぱいにアイデアが並んで行く事で修正を繰り返し、美しい形を求める感覚が身に付きます。

色カタログ。

デザイン学校では早くも次年度の教材準備。
限られた予算の中で効果的な学習成果をあげるため、教材の内容は毎年カリキュラムに合わせて追加修正を行います。

デザイン用具の中の絵の具は、カラーチャートを眺めて吟味。
絵の具に限らずサンプルの並ぶカタログはとても美しいので見ていて飽きません。

基本のセットをベースに色相差、配色や混色のバリエーションを考慮して数色入れ替えた特別セットをメーカーさんに依頼。

今年とはまた異なった作品が見られることを期待しています。

本場のセット。

今日のデザイン高校でのデザイン史は、古代ローマでした。

パンテオンや闘技場など巨大な公共施設が多く建てられたのが特徴。
ヨーロッパの各地に遺跡が残っています。
中には2000年以上も使い続けられている水路が作られ、石組みの精緻なアーチを持つ水道橋は重要ポイント。

十分な水源が近くにない都市でも豊富な水が必要な公衆浴場を作れるよう、遠くの山の水源地から少しずつ傾斜した水道を引き、途中の谷あいでは傾斜に合わせた水道橋を作って都市まで水を引いたのです。
もっとも公衆浴場のためだけではないでしょうが。

この辺りの話をする時には映画「テルマエ・ロマエ」を引き合いに出すと、生徒さんの反応が良いですね。

パート2まで制作されたこの映画。
古代ローマのセットが素晴らしく、どこにこんなセットを作ったのかと思っていましたが、イタリアのローマ郊外にあるチネチッタ撮影所内に古代ローマのセットがあるのだそうです。
映画史に名を残すベンハーやクレオパトラなどのハリウッド映画も多く撮影された由緒ある撮影所ということで、名画たちの恩恵を受けていたのですね。

こちらも勉強中。

デザイン高校の2学期。
大きなカリキュラムは年度が始まる前に決まっていますが、細かい課題については、その年の生徒さん達の理解度や進行度合い、習得技術によって調整をするため未定な部分もあります。

特に高校1年生はついこの間まで普通の中学生だったわけで、デザイン系の学習はほぼ初めて。
1学期は課題のペースや学校生活に慣れるのに精一杯。
夏休みも制作系の宿題でほぼ毎日のように学校に来て復習をして、さて、これからやっと本気でエンジンが掛かる感じです。

というわけで、3学期に取り組みたい構成課題のスタディを、少しずつですが詰めています。
まだどんな課題になるかイメージのみで、これから具体化して行きます。

赤、黄、白の謎。

工業高校も新学期が始まりました。
美術の授業では1学期に絵画系の実習でしたので、2学期は造形系。

次週から木工ボンドをたくさん使用するので、放課後はノズルの詰まりの掃除をして大きなボトルから移し替えの作業。
生徒20名分を用意するので結構大変ですが、同じものがたくさんある状態はちょっと楽しいです。

この木工用ボンド。
コニシ製とセメダイン製が一般的ですが、どちらも黄色ボトルに赤白のものと、白ボトルに赤黄のものがあります。

業界でカラーリングを揃えた？ということでもないだろうと見てみると、コニシ製は速乾が白ボトル、普通の木工用が黄色ボトル。セメダイン製は速乾が黄色ボトル、普通の木工用が白ボトルということでカラーリングが逆になっています。

ここまでカラーリングが似ているのですから、同じにしてくれれば使う側は便利なのですけれど、なかなかそういう訳にもいかないようです。

見せるステッチ。

夏休み恒例の通信制カリキュラムのスクーリング授業。
保育などの現場で働くことを目標にしている学生さん達にむけた造形授業も3年目。

この授業で重要なことは、子ども達に向けたコミュニケーションツールとしての造形物の制作を通して、素材や色彩、デザインなど、すでに学んだ理論を実際に応用して制作すること。

ほぼ定番化したフェルト造形ですが、表現したいものの固有色とは異なる色を使用したり、フェルト地と異なる色の糸を使ったりすることで、よりイメージの強い作品となることを学びます。

フェルトを縫い合わせて造形する時、縁をかがり縫いするとハサミでカットした断面の固さがなくなり柔らかい印象になりますので、まきかがりやブランケットステッチ、たてまつりなど、いろんな縫い方ができると良いです。

針仕事が苦手だからという理由で糸が目立たないようにフェルト地の色と同色の糸で縫う学生さんがいますが、縫い目（ステッチ）を隠さず地と糸の色を変えて目立たせると、ポップで楽しい感じになりますし、不揃いでも手縫いの良い味になりますから、果敢に挑戦して欲しいですね。

情報説明のデザイン

デザイン学校では2年生による卒業制作が始まっています。
これまで学んできたことの集大成としての制作ですから、自分の表現にこだわりを持って取り組んで欲しいですね。

さて、グラフィックデザインの領域のひとつにインフォグラフィックスがあります。
グラフなどの図表に代表されるダイアグラムように、複雑な情報を視覚的に表現したものの総称で、より広い意味で使用される言葉。

卒業制作ではこれまでの制作以上に大きなテーマで制作に取り組むため、何を考え何を目的としているかを伝えることも重要。
企画発表や企画書など、多くの情報を的確に説明するためには、インフォグラフィックスについても理解が必要です。

つい先日、Yahoo! JAPANがインターネット広告の歴史と未来をまとめたサイトと、未来のインターネット広告へのイメージ動画を公開。
とてもベーシックな表現ですがインフォグラフィックスが効果的に用いられているので、とても参考になります。

ハードな輝き。

電球をLEDに替える理由は省エネのためということが一番なので、電力消費が増える夏の需要が高くなるのですが、暑い時期になると電球から発せられる熱を減らしたいという理由もあって夏のLED化は益々進みます。

電球の内部に反射板を取り付けたレフ球が大量に余ってしまいました。
この形状とこの反射がとても美しくて好きな電球の一つですが、レフ球型のLEDにはこの美しさがないのが残念です。

指向性が高いため、本来は使用目的を選ぶタイプの電球ですが、廃棄するのはもったいないので、デザイン学校で小物撮影ランプとして活用しようと思ってます。

この力はなんだろうか。

デザイン系高校は夏休み直前。
授業が長期で休みになるこの時期、とても嬉しいのが図書館の長期貸し出し。
ふだんは2週間ですが夏休み終了まで借りられ、しかも10冊までOKということで、ついつい本選びに気合いが入ってしまいました。

7月に入ったばかりの「20世紀エディトリアル・オデッセイ: 時代を創った雑誌たち
（誠文堂新光社）」は、表紙からしてもう「やられた！」と思ったらグラフィックデザイナーの平野甲賀氏デザインによる雑誌ワンダーランド（1973年創刊）の2号の表紙だそうです。

カッコいいデザイン、すっきりしたスマートなデザインのものは今ではたくさんありますが、この頃のような「力」のあるデザインにお目にかかれないというのは、何か時代というか社会というか、今にはない別の理由があるのだと思います。
こういう本が出るとまた古本探しがしたくなってしまって困ったものです。

回す。止まる。

デザイン系高等学校の近代デザイン史の授業ではチャールズ＆レイ・イームズ（CHARLES & RAY EAMES）を紹介。

20世紀を代表するアメリカのデザイナーの一人で、映像作家としての一面もあり、中でもIBMの協力でモノクロ版、カラー版の2度にわたって制作された「Powers of Ten（1977）」は、デザインやアートの業界では有名な作品。


イームズは世界各国の民藝品の収集でも有名ですが、そのコレクションのコマを扱った作品「Tops（1969）があり、回転するコマの魅力を存分に見せてくれる映像です。


コマの魅力は、ジャイロ効果により1点で全体を支えて安定するという動きの魅力だけでなく、モノ自体のデザインの美しさや回転が止まる時の動きにもあるように感じます。

なんとなく散らばっていたコマを集めてみました。
もっとあったと思うのですが、どこかに仕舞い込んでいるようです。